Laura Morsch-Kihn a créé son premier zine Le Nouvel Esprit du Vandalisme en mai 2014, après avoir quitté son emploi dans une galerie d’art pendant 7 ans. Les zines de Laura sont en lien avec ses actions curatoriales et, parfois ils les recouvrent entièrement. LNEV est une activité méta-artistique consacrée à des projets curatoriaux dans des formats d’édition et d’exposition. Elle a commencé à travailler de cette façon parce que son principal intérêt était de savoir comment le graffiti - et non le street art – peut interagir avec l’art contemporain sans perdre sa substance. Le titre de son zine est une référence au livre Le nouvel esprit du capitalisme de Luc Boltanski et Eve Chiapello (1999), et sa devise est « Le zine qui transforme tout en art ». Un nom pompeux, une devise ambitieuse, pour une publication généreuse faite à la main, LNEV est définitivement unique en son genre.

Deux personnes ont influencé Laura pour qu’elle choisisse les zines comme support pour ses activités de commissaire d’exposition. Lorsqu’elle travaillait à la galerie du jour, elle a aidé le curateur de Musique Plastique, une exposition sur les artistes qui font aussi de la musique. Elle a insisté pour qu’une section de l’exposition soit consacrée à Destroy All Monsters, le tristement célèbre groupe punk de Jim Shaw, Mike Kelley et Cary Loren. Ce dernier, qui est maintenant l’archiviste du groupe, l’a aidée à mettre en place toute une installation dans le sous-sol de la galerie et l’a inspirée à faire des zines. Elle a ensuite rencontré Pat McCarthy, qui utilise les zines comme support dans sa pratique. Il lui a montré à quel point un petit objet photocopié peut être puissant.

Les zines que Laura fabrique en collaboration avec de nombreux artistes différents ont une véritable aura : elle colle elle-même des photos originales dans chaque numéro. Certaines d’entre elles sont scotchées et couvrent des parties du texte, mais on peut les soulever pour lire ce qu’il y a en dessous. Chaque numéro est une accumulation de couches de texte, d’images, de photocopies et de photos, et chacun a une couverture personnalisée dessinée par un artiste.

Depuis que je l’ai interviewée en 2015, Laura est devenue une amie proche et une collaboratrice, car elle est un acteur clé de la communauté française des zines. Elle a créé Rebel Rebel, son propre salon du zine à Marseille qui est récemment devenu Trafic. Elle a créé plusieurs autres projets de zine et une résidence à Marseille.

Pourquoi le graffiti ? Quelle est ta connexion aux graffitis ? Et comment est-ce que tu es venu à faire un fanzine qui parle à la base de graffiti ?

Ça fait très longtemps que je suis intéressée par le graffiti, notamment parce que je viens de Toulouse. C’est vrai que quand j’étais adolescente à Toulouse, il y avait énormément de graffiti, il y avait une scène assez importante. Notamment, il y avait un lieu qui s’appelle le Style, qui était un terrain vague avec une ancienne manufacture, et beaucoup de graffeurs venaient là, des graffeurs de la France, de l’Europe. C’était un gros spot, j’y traînais pas mal, du coup j’ai toujours vu des graffitis, je les ai toujours pris en photo et voilà.

De fil en aiguille, je me suis retrouvée à travailler à la galerie du jour grâce au graffiti, parce que j’étais venue présenter le livre d’un graffeur qui m’avait demandé de le distribuer. C’est comme ça que j’ai rencontré l’équipe de la galerie. À ce moment-là, il y avait une exposition de graffiti qui s’appelait Graffs, c’était Jonone le commissaire et il avait invité tous les graffeurs très actifs de l’époque : il y avait O’Clock, André, Zevs, Space Invader, toute cette scène-là. Quand j’ai fait le fanzine, c’est vrai que ça partait vraiment du graffiti. Le graffiti, comme d’autres champs de l’art, comme la photographie, c’est un milieu assez refermé sur lui-même et il ne communique pas trop avec le reste. Du coup, c’était un peu l’idée d’ouvrir le champ du graffiti pour le mélanger à ce qu’on appelle bêtement l’art contemporain. Quand je regarde du graffiti, j’y vois de la peinture, mais j’y vois aussi de la performance, il y a des vidéos, je vois toute la notion de document.

Il y a plein de questions que l’on retrouve dans l’art contemporain.

Oui, c’est exactement ça. C’est un mouvement très riche et très intéressant, mais sur lequel on trouve tout le temps le même genre de discours, qu’il soit critique ou sociologique, mais ça parle tout le temps de la même chose, donc c’était un peu l’idée de base.

Est-ce que travailler à la galerie du jour t’a donné une perspective différente sur le graffiti ? C’est quand même une des premières galeries qui a soutenu le graffiti à Paris.

Oui, ça m’a donné une perspective différente dans le sens où j’ai découvert que le graffiti avait une place sur le marché de l’art. C’était pas une question que je m’étais trop posée jusque là, et justement, ça m’a aussi fait comprendre toutes les contraintes qu’il y avait à exposer le graffiti, c’était extrêmement dur. Le graffiti, c’est dans la rue, et quand il entre dans une galerie, ce n’est plus du graffiti. J’ai pu voir aussi tous les pièges dans lesquels une galerie pouvait tomber justement en exposant des graffitis. C’est vrai que comme ça, j’ai pu l’analyser et justement commencer à penser à comment on pourrait montrer des graffitis un peu autrement. Ça, on va dire que c’est plus le côté intellectuel et, évidemment, ça m’a fait découvrir pas mal d’artistes parce que j’étais chargé du pôle graffiti et du coup, je pouvais contacter pas mal d’artistes pour participer. C’est notamment par ce biais-là que j’ai rencontré Saeio des PAL avec Tomek et Mober avec qui je travaille depuis le début du fanzine.

Quel est le rapport du fanzine au graffiti ? Est-ce que ça existe des fanzines de graffiti ?

Oui, oui, il y en a. Il y a beaucoup de fanzines de graffiti. Je pense que, jusqu’à récemment, les principaux fanzines que tu trouvais, c’étaient des fanzines avec des photographies dedans, des photographies de train tagués ou graffés, des photographies de tunnel. C’est plutôt de l’ordre du document, des graffitis qui sont faits dans l’espace public et ce sont des successions d’images et tu as 3000 images dans un fanzine, donc voilà. Il y a tout un mouvement de prendre en photo des œuvres qui sont vouées à disparaître. Jusqu’à récemment, c’est surtout ça qu’on trouvait. Il y a Skill qui est un fanzine assez connu et, par exemple, il y a aussi Rap un graffeur français qui a fait un fanzine qui s’appelle Graffalife qui documente très bien tout le mouvement de graffiti en France. C’est vrai que jusqu’à une certaine date, c’est ce genre de fanzine que tu trouvais, et ensuite, tu as des artistes qui ont commencé à s’emparer du format fanzine plus comme un médium et qui l’expérimentent. Il y a autant de dessins que de photographies, que des images de ce qu’il se passe un peu autour du graffiti.

Peux-tu nous donner quelque exemple ?

Il y a par exemple tous les membres des PAL qui font chacun leurs fanzines, donc il y a Saeio, Horphé, Tomek, eux, ils ont une grosse pratique du fanzine.

Comment vois-tu l’évolution du graffiti depuis les années 1980, depuis son introduction en France avec tout ce qui est street art qui est assez différent du graffiti ?

Moi, le street art, à première vue, ce n’est vraiment pas ce qui me touche. Moi, c’est vraiment le graffiti et encore plus le graffiti vandale. Le graffiti reste toujours dans la marge, les gens s’intéressent au street art, il y a toujours cette espèce d’amalgame qui mélange graffiti et street art, alors que ce sont deux choses qui sont vraiment différentes. Autant, le street art est maintenant devenu un art officiel parce que les politiques publiques l’ont intégré, par exemple à Paris, les peintures de street art que tu vois sur les immeubles dans le 13e, ça, c’est purement une commande du maire, ou encore le projet de la tour 13 qui montre du street art et qui a été hyper visité.

Je ne sais pas si c’est une évolution ou une régression, mais les gens sont de plus en plus attirés par le street art. Les particuliers comme tout le monde s’en emparent un peu, c’était le cas aussi avec le cirque, dans le sens où c’est une pratique populaire qui était regardée de loin et qui finalement s’est retrouvée aspirée. En ce qui concerne le graffiti, on peut dire qu’il reste encore en marge. Maintenant, il y a une nouvelle génération d’artistes qui sont plus ouverts et qui, au travers de leurs expositions, ouvrent de nouvelles perspectives et se posent de nouvelles questions. Ils ont des questionnements qui vont beaucoup plus loin que de faire des toiles de ce qu’ils font dans la rue et de les mettre dans une galerie. Mais ça, on va dire que c’est la dernière génération de graffeurs.

Comment est-ce que tu réalises ton fanzine et combien en as-tu réalisés ?

Je vais sortir le deuxième numéro pour le 19 [décembre 2015] parce que justement, je fais l’exposition Honte avec Saeio et Tomek. On a décidé d’organiser des conversations, donc j’ai invité des acteurs du monde de l’art et de Marseille pour discuter avec eux de graffiti, donc j’ai choisi volontairement des personnes qui ne connaissent rien au graffiti, mais qui, par contre, sont très investies et passionnées par l’art. C’était très intéressant, car il y avait plein de nouvelles problématiques qui ont émergé et je pense que ça a ouvert des perspectives très intéressantes. Donc le dernier fanzine sera sur ces conversations.

Est-ce que tu peux nous parler du lien avec Destroy All Monsters ?

Il y a eu une exposition qui s’appelait Musique Plastique à la galerie du jour et à ce moment-là, j’ai proposé au commissaire de l’exposition d’inviter Destroy All Monsters parce que l’exposition était sur les artistes plasticiens qui ont une pratique musicale. Évidemment, Destroy All Monster est l’exemple parfait parce qu’à la base, c’est un groupe d’étudiants, donc il y a Cary Loren, Jim Shaw et Mike Kelley. Ils ont un groupe de pop qui s’appelle Destroy All Monsters qui publie en parallèle un fanzine. Un fanzine qui est assez paradigmatique parce que je pense qu’à ce moment-là, c’est vraiment la naissance du fanzine comme médium, comme pratique artistique. Quand il y a eu ce projet d’exposition, j’ai tout de suite pensé à eux. En plus, par chance, Cary Loren a gardé tous les documents pour en faire une archive, c’est donc par lui que l’on passe pour des expositions. Car Mike Kelley, malheureusement, est décédé. À l’époque, il était super occupé par sa pratique, Jim Shaw pareil, donc c’est Cary Loren qui se chargeait de ça. De plus, il est libraire : la création des archives et la diffusion, c’est plus de son domaine. À ce moment-là, il avait une exposition en Grèce. Comme les œuvres étaient en Europe, ce n’était pas loin pour les faire venir. C’est donc à ce moment que Cary Loren est venu, je l’ai donc rencontré et depuis, on est devenu amis.

C’est donc une des raisons qui t’a poussée à utiliser la forme du fanzine pour accompagner tes actions curatoriales ?

C’est vrai qu’en voyant d’un côté les fanzines de Destroy All Monsters plutôt des années 1970 et ensuite, quand j’ai découvert ceux de Pat McCarthy qui sont récents, il y avait déjà un lien évident parce que des deux côtés, c’est le fanzine comme médium, pratique artistique. Et tu te rends compte de la force que dégage un fanzine alors qu’à la base, c’est un objet photocopié. Il y a quelque chose de très fort qui s’en dégage.

Par quel côté ? Par le côté fait main, la rareté ?

Le côté fait à la main, tu sens vraiment l’investissement, ce sont deux fanzines qui sont hyper fournis, tu te rends compte de tout le travail qui a quand même été fait et ça finit sur un support un peu cheap, ça a ce côté magique et tu sens que c’est un objet d’expérimentation.

Comment choisis-tu les thèmes de tes fanzines et comment choisis-tu les artistes qui interviennent ?

Chaque numéro du Nouvel Esprit du Vandalisme part d’un thème qui est assez ouvert. Je contacte des artistes, beaucoup de mes amis artistes participent, mais je contacte également des artistes que je ne connais pas, mais dont j’apprécie la démarche, tels que Stephen Gill que j’ai contacté pour le dernier numéro, il y a aussi Ricardo Cases. Dans chaque numéro, il y a une personne que je ne connais pas, par exemple dans Seine Saint-Denis Style, il y a Martine Feipel et Jean Bechameil qui ont contacté Hughes Rochette et Nathalie Brevet que je ne connaissais pas.

Comment réagissent-ils quand tu leur demandes d’intervenir dans ton fanzine ? Ils sont surpris, non ?

Oui, mais bizarrement, les gens sont plutôt hyperenthousiastes : pour eux, le fanzine fait partie de la culture underground, c’est un peu en marge et ils sont trop contents.

Ce sont des gens qui sont sensibles à ça. Si tu vas voir un artiste dans une galerie, il ne sera pas forcément enthousiaste…

Là, les artistes que j’ai contactés sont des gens qui sont en galerie et connus.

Est-ce qu’ils ont quand même un lien avec l’underground ?

Je ne sais pas s’ils ont un lien, mais du moins ils apprécient la démarche de quelqu’un qui fait ça et tout d’un coup, ils se retrouvent là-dedans alors qu’ils n’y sont pas nécessairement.

Tout à coup, ça fait avant-gardisme.

Oui, ils sont plutôt contents de participer à ça et ils savent très bien dès le départ qu’il n’y a aucun but commercial. Je pense qu’ils apprécient quand même le côté expérimental. Tout le monde était toujours très enthousiaste ; je n’ai jamais eu de refus pour le moment, ils sont plutôt même contents.

Ils ne voient pas ça comme un mode de publication un peu vieillot ou qui appartiendrait à un autre âge ?

Non pas du tout, en plus, je pense que même s’ils sont connus, peut-être qu’ils ne sont pas autant publiés que ça dans les magazines.

C’est toujours une publication, un moyen de faire connaître son travail à de nouvelles personnes.

C’est vrai que tu as raison, ils pourraient être rebutés par le côté un peu vieillot comme tu dis, mais au contraire, ils sont plutôt contents.

C’est étonnant comme c’est intéressant quand tu parles de force, c’est effectivement fait avec très peu de moyens, mais avec un impact très important, beaucoup plus important que les moyens mis en œuvre, justement parce que c’est fait main avec beaucoup d’attention, ça a un certain impact.

D’autant plus que, comme tu le vois, j’ai commencé mon fanzine. C’était d’une part parce qu’il fallait que je lance un peu ma carrière de commissaire indépendante, donc il y avait cette idée-là, et parce que j’ai toujours aimé le fanzine et pour une question de moyens, de liberté avec tous ces paramètres. Mais je ne pensais pas que ce petit objet photocopié d’un format A5 allait finalement m’amener autant de projets.

Donc maintenant, tes projets viennent de ça ?

Oui, complètement, on m’a invitée à faire l’exposition Seine Saint-Denis Style parce qu’il y avait le fanzine et là le projet que je réalise avec le Frac : le salon, la résidence, les conférences, les expositions, ça part du fanzine aussi et c’est ça qui est complètement fou.

Oui, parce qu’il y a un côté réseau qui est vraiment très important dans le fanzine, c’est-à-dire que les gens que tu publies sont forcément là parce qu’ils voient que c’est fait-main, avec une certaine attention, peut-être plus impliquée que dans d’autres formes de projet.

Il y a ça, puis après, il y a aussi certaines personnes qui ne connaissaient pas vraiment le fanzine, qui découvrent ce que c’est et cette force les intrigue tout d’un coup. C’est ça qui est complètement fou, c’est un petit objet photocopié qui m’amène plein de projets, alors que peut-être si j’avais essayé de monter la plus grosse exposition du monde dans un lieu, ça ne m’aurait rien ramené du tout. Je sens qu’il y a une écoute et que les gens attendaient le fanzine, car ils ne le connaissaient pas. Ils l’apprécient vraiment. Je pense qu’à travers le fanzine, ils sentent l’énergie qu’a la personne derrière.

Est-ce que c’est une question d’authenticité à ce moment-là ?

Je pense qu’il y a un peu de ça, je pense qu’on peut vraiment sentir l’énergie d’une personne à travers son fanzine. Le mien est un peu particulier parce que j’invite beaucoup d’artistes différents, c’est pas un fanzine solo, mais je pense que les gens ont besoin de voir des choses nouvelles.

Ton propre travail apparaît-il dans tes fanzines ?

Oui, soit je mets les textes des actions curatoriales que j’organise, soit par exemple, pour Seine Saint-Denis Style, j’ai mis le portrait d’un garçon que j’avais photographié. Parfois, j’interviens, mais c’est pas systématique.

Et tu as imaginé faire un fanzine solo ?

Avec mon travail ? Oui, oui complètement, mais je ne sais pas si je le ferais sous le nom du Nouvel esprit du vandalisme.

Tu préférerais être invitée dans le fanzine de quelqu’un d’autre ?

Non, plutôt en faire une autre série. Mais oui, oui, j’aimerais bien publier des travaux, mais plutôt des travaux à venir, parce que là, je n’ai pas envie de travailler avec ce que j’ai déjà fait.

Ce serait des choses que tu produirais pour cette série à ce moment-là ?

Oui, et donc, vu que je vais mener des ateliers de fanzine avec des jeunes qui habitent les quartiers nord de Marseille, peut-être que je vais profiter de ce moment pour faire un travail autour de ça.

Donc là, tu commences une nouvelle série qui seront des fanzines personnels consacrés à un artiste à chaque fois. Quel type d’individualité tu recherches dans ces artistes : est-ce que c’est leur travail plastique ou dans leur façon de travailler ? Est-ce qu’ils ont des points communs ?

Disons que quand je me suis dit que j’allais faire des fanzines solo, au départ, je me suis dit que je prendrais des artistes qui ont autant une pratique de l’écriture qu’une pratique artistique.

Pour qu’il puisse produire à la fois le texte et l’image ?

Oui, c’est ça. Une des caractéristiques de mes fanzines, c’est qu’il y a aussi du texte dedans, tapé à la machine à écrire. L’idée de départ c’était ça, j’ai invité Pauline Fargue et JJ Peet qui écrit pas mal de choses, comme des poèmes, des manifestes. Donc voilà, c’était un peu ça l’idée de départ. Ensuite, je pense que le lien qu’il y a entre les deux et qui sera le vrai leitmotiv, c’est que ce sont des artistes qui ont un univers très fort dans le sens où il est assez complet : ils mélangent l’art et la vie, ils ne font pas de séparation. Je pense que c’est aussi bien le cas de Pauline Fargue que de JJ Peet, comme Olivier Nourisson, il a ce truc très fort.

Des projets très polyformes qui vont dans plein de différentes directions.

Quand ils créent, ils ne se disent pas qu’ils sont en train de créer, ça fait partie de leur quotidien, c’est tout le temps. Je pense que ce sera plus des artistes comme ça, avec, comme tu le dis, un côté polymorphe avec un univers.

Et des artistes du quotidien aussi ?

Oui, voilà des artistes du quotidien, pour lesquels il n’y a pas de frontière entre l’art et la vie. Je pense que ça sera des artistes comme ça et après avec des pratiques très diverses. Moi-même, je m’intéresse à plein de choses différentes et c’est ça aussi que me permet le fanzine : on n’est pas obligé d’avoir une ligne éditoriale, on fait ce qu’on veut.

Tu as fait un numéro sur l’imaginaire adolescent en Amérique du Sud et tu connais l’expression « l’enfance de l’art ». Plus je travaille sur le fanzine et plus je me dis que c’est une forme d’adolescence de l’art. Est-ce que l’on peut retrouver ça dans ton fanzine ?

À un moment, on peut très certainement retrouver un côté adolescent, notamment parce que j’ai fait une maîtrise et un master sur l’adolescence. Dont l’un était Photographier les adolescents pour le mémoire de maîtrise et ensuite, en master, j’ai fait un mémoire sur L’Esthétique Adolescente où je parlais du fanzine justement. Pour moi, le fanzine a un côté très adolescent, c’est une pratique adolescente, car au départ, le fanzine est fait par des fans. C’est vrai que l’adolescence représente le fanclubbing, toutes ces notions-là, c’est l’adolescent. Il y a un grand rapport avec le fanzine, comme pratique adolescente. Même si tu le fais très sérieusement, c’est peut-être le côté où tu joues beaucoup. Même si je pense que tout le monde ne serait pas d’accord avec ce que je dis. Je pense qu’il y a ce côté jeu, expérimentation, il y a un petit côté adolescent.

Et puis le côté authenticité, ou mine de rien, il y a des expérimentations, mais il faut quand même que ça reste un peu toujours la même chose, comme si le temps était un peu arrêté, il y a un peu un refus de grandir, c’est une caractéristique de l’adolescence, c’est aussi un temps un peu arrêté et presque figé.

Mais en même temps, tu vois maintenant que la photocopie est passée à la risographie : il y a quand même de nouvelles techniques. Il y a eu des tentatives de webzines, mais bon, je ne suis pas très convaincue. Pour moi, le fanzine doit être sur papier. Avec le webzine, c’est plus difficile d’avoir ce côté artisanal. Quoi que tu peux faire des sites internet biscornus, mais il faut super bien connaître la programmation et tu ne peux pas faire ce que tu veux, c’est pas évident.

Tu veux ajouter quelque chose ?

Non, je ne pense pas qu’on ait fait le tour, mais c’est une bonne introduction.