J’ai rencontré Fabio Zimbres à Feira Plana, une foire gigantesque organisée par Bia Bittencourt dans le bâtiment iconique de la Biennale de São Paulo dessiné par Oscar Niemeyer. Je n’ai pas réussi à lui parler beaucoup, car il était toujours en grande conversation avec des visiteurs de tous âges. J’ai néanmoins réussi à visiter son exposition dans une galerie de São Paulo. L’une des douze pièces monumentales qu’il présentait était dessinée sur l’intérieur de 20 cartons de lait aplatis et assemblés pour créer une frise en argent de 6 mètres de long. Il a d’abord pensé à cet objet comme à un livre en accordéon, puis l’a présenté sur une table avec d’autres livres-objets. En effet, c’est lorsqu’il réalise des œuvres de la taille d’un livre et qu’il essaie toutes sortes de matériaux inhabituels que Zimbres se sent le plus à l’aise. Il a réalisé une série de livres d’artiste très mignons peints à la main, dont les pages étaient faites de disquettes collées ensemble, et bien sûr, il les vendait pour quelque chose comme 30 dollars dans les foires aux zines.

Sur le moment, j’ai hésité à lui acheter et quand je suis revenu, il les avait vendus. À vrai dire, à la fin de la foire, il n’y avait plus grand chose sur sa table. À mon retour en France, j’ai commencé à travailler sur un numéro brésilien d’ARTZINES et je l’ai recontacté pour qu’il en soit l’artiste invité. Nous avons échangé par e-mail et il m’a aussi aidé à y voir plus clair dans l’histoire de la scène brésilienne.

Qui es-tu ? Tu peux te présenter ?

Je viens de São Paulo au Brésil. Je vis actuellement à Porto Alegre.

Je travaille dans le design graphique, l’illustration, la bande dessinée. Je suis impliqué dans les arts visuels et il y a une galerie qui me représente à Porto Alegre et à São Paulo. J’étais passionné de bandes dessinées dès l’enfance. Je dessinais toute la journée.

Je ne savais pas exactement ce que j’allais faire pour vivre, mais comme je n’ai jamais cessé de dessiner, je suppose qu’une décision a été prise, même si je ne l’ai pas prise moi-même. J’ai créé le magazine Brigitte avec mon ami Newton Foot quand j’étais à l’université. Il n’a duré qu’un seul numéro.

En plus de l’éditer, j’y ai publié des bandes dessinées, des illustrations et j’ai fait le design graphique. Je crois que c’était un peu mon école. J’ai continué à faire tout ça depuis lorsque l’occasion s’est présentée. Quand l’occasion ne se présente pas, je crée les conditions nécessaires. Vers la fin des années 1990, j’ai créé un label appelé Tonto pour publier les bandes dessinées de mes amis. En plus de la conception graphique et des bandes dessinées, mon travail pour le label m’a permis d’en apprendre un peu plus sur l’Internet, le HTML, etc.

Avant ça, je faisais également partie de l’équipe qui a créé et édité le magazine de bande dessinée Animal. C’était entre 1989 et 1992. Brigitte et Animal ont fait connaître un peu mon nom dans le milieu, c’est donc à cette époque que j’ai commencé à contribuer à des journaux et des magazines de bande dessinée.

Les bandes dessinées m’ont amené à m’intéresser aux arts visuels en général et aux livres et aux publications. C’était donc naturel pour moi de m’intéresser à toute la scène des fanzines qui s’est formée autour des fans de bandes dessinées et de musique, puis de commencer à faire des livres d’artistes.

Quand as-tu commencé à faire des zines ? Comment était la scène des zines à cette époque ?

Eh bien, je suis venu aux zines en tant que lecteur, d’abord les zines de bandes dessinées des années 1970 et 1980, puis toutes sortes de publications à petit tirage. Parce que j’avais cet intérêt, j’ai été chargé d’une chronique mensuelle sur les fanzines, quand nous avons lancé Animal. J’étais le seul à avoir assez de fanzines pour écrire une chronique dans le premier numéro. J’ai continué à tenir cette rubrique jusqu’à la fin du magazine. C’est à cette époque que mon intérêt s’est vraiment détourné de la scène de bande dessinée vers les fanzines plus expérimentaux. À cette époque, les fanzines étaient un moyen pour les dessinateurs amateurs de montrer leur travail au public, et beaucoup de zines copiaient les magazines plus commerciaux. J’étais attiré plus par ceux qui ne faisaient pas vraiment attention au public et essayaient d’expérimenter avec la bande dessinée, les zines et les graphismes en général.

Je pense donc qu’à cette époque, la scène était à un tournant, passant des zines qui imitaient des magazines réguliers à des zines plus expérimentaux. Je pense que ma rubrique reflétait ça.

J’ai commencé à faire des zines influencés par ce que je voyais à cette époque. J’ai collectionné beaucoup de choses de cette période et plus tard, lorsque le magazine a fermé, j’ai voulu remercier tous ceux qui avaient envoyé des fanzines au magazine et je l’ai fait sous la forme d’un petit fanzine portant le même titre que la rubrique Maudito Fanzine (c’est une faute de frappe qui se traduit par Maudit Zine). Depuis, je produis des petites publications à faible tirage et des livres d’artistes.

Quels sont les artistes dont tu te sens proche au Brésil ? Peux-tu nous parler d’eux ?

En réalité, je n’ai quasiment rencontré aucun des artistes de la scène des fanzines. Je recevais des trucs de tout le Brésil par courrier.

Plus tard, j’en ai rencontré et je suis devenu ami avec certains d’entre eux. À cette époque, la plupart de mes amis étaient des dessinateurs ou des illustrateurs. Et aujourd’hui, la plupart de mes amis sont encore des illustrateurs qui travaillent dans les médias et dont le travail tourne autour de l’écriture et de l’humour.

J’ai rencontré MZK à São Paulo et que j’ai observé avec attention quand il faisait ses premiers fanzines. Ça m’a beaucoup inspiré. C’est grâce à lui que j’ai eu l’idée de faire des mini-zines. On est encore amis aujourd’hui.

Jaca est un type que je connaissais en tant qu’illustrateur et j’aimais son travail avant de le rencontrer. Comme moi, il ressentait le besoin de faire d’autres choses avec ses dessins. Il ne voulait plus être seulement illustrateur et dessinateur de bandes dessinées. On est sur la même longueur d’onde en ce qui concerne les arts graphiques. C’est un grand artiste qui a travaillé comme illustrateur pendant plus de 30 ans et qui travaille toujours en free-lance. Je l’ai rencontré quand j’étais co-rédacteur en chef du magazine Animal, j’étais déjà fan de son travail. À l’époque, il vivait à Porto Alegre et moi à São Paulo. Il vit maintenant à São Paulo. On a commencé à travailler ensemble sur Desenhomatic Ltda en 2012 pour une exposition, puis on a participé à des foires de zines et on a fait des expositions à Rio de Janeiro, Tokyo et São Paulo.

Je suis également ami avec un groupe d’illustrateurs de São Paulo qui a travaillé autour de cette publication intitulée Charivari. Il y en a beaucoup, mais ceux dont je suis le plus proche sont Laura Peixoto, Andrés Sandoval, Daniel Bueno et Mariana Zanetti. J’ai travaillé avec eux sur certains numéros de Charivari, qui est plus orienté vers l’illustration, mais très expérimentale. Ce sont des professionnels de l’illustration qui travaillent pour des livres et des magazines pour enfants, mais de manière très expérimentale.

Et en ce moment, je suis le travail de Narowe, Tais Kosino et Cynthia Bonacossa.

Je ne sais pas si tu me demandes des noms pour t’aider à rassembler des informations sur la scène. J’imagine que oui, alors j’ai jeté beaucoup de noms, mais celui dont je suis vraiment proche et avec lequel je continue à échanger des idées et à travailler, c’est Jaca.

Je peux citer encore quelques artistes intéressants comme Carlos Issa, Bia Bittencourt (qui organise la Feira Plana), Gerlach et j’oublie sûrement quelqu’un.

Comment travailles-tu habituellement ? Fais-tu des collaborations ? Quel type de matériel utilises-tu ?

Je n’ai pas beaucoup de discipline et j’essaie de suivre les opportunités quand elles se présentent. La même curiosité qui m’a amené à faire des fanzines m’a conduit à faire des expositions en galerie. Dans chaque endroit où je me retrouve, j’essaie d’explorer le médium, donc je n’ai pas vraiment de modèle. Je travaille avec toutes sortes de matériaux, y compris l’ordinateur.

Parfois, je pars d’une invitation à contribuer à une publication ou à une exposition. J’essaie alors de faire quelque chose pour ce contexte, même s’il n’est pas rare que je suive une idée venue de nulle part, que je travaille dessus et que je lui trouve ensuite une place.

Je pense que la base de mon travail est le dessin. C’est ce que j’ai fait toute ma vie. Ce qui m’intéresse, c’est de créer différents contextes pour mes dessins : il peut s’agir de livres, d’un mur (bien que je ne sois pas street artist), d’une grande toile, etc. J’essaie toujours de nouvelles surfaces et de nouveaux matériaux. Mais tout ce que je fais commence par un dessin.

J’aime travailler en collaboration et j’aime les situations où je ne réfléchis pas trop. J’ai participé à des projets comme Desenhomatic Ltda. avec Jaca et Casa do Desenho avec Radaelli et Haebaert, où on doit travailler très rapidement.

Peux-tu nous parler des foires de livre et des zines au Brésil ?

Ces foires sont assez récentes au Brésil, Plana est probablement la plus grande, même si elle n’a que 5 éditions. Tijuana, je crois que c’est la plus ancienne, mais je ne sais pas quand elle a commencé.

À Florianopolis, j’ai assisté à la deuxième édition de Parque Gráfico. On m’a dit qu’il y avait aussi une foire consacrée aux livres d’artistes à Florianopolis, qui en est aussi à sa deuxième ou troisième année, mais je n’ai pas beaucoup d’informations à ce sujet.

Il y a beaucoup de foires au Brésil en ce moment, je ne peux pas en faire une liste précise et je ne crois pas que tu puisses trouver un programme ou un calendrier avec toutes ces foires. Je suis impliqué dans la Parada Gráfica à Porto Alegre, qui en est à sa 5e édition cette année. J’aide généralement en faisant des suggestions, ou à la sélection des artistes, etc. On y trouve des artistes et des dessinateurs de l’ancienne génération mélangés à de nouveaux et à de petits éditeurs qui trouvent les foires, petites et grandes, très utiles pour promouvoir leur catalogue en le combinant avec une présence sur Internet.

Ce qui m’étonne toujours, c’est la forte présence de fans, de lecteurs et de collectionneurs. Les foires n’attirent pas seulement les artistes et les dessinateurs.

Peux-tu m’en dire plus sur les mini zines ? Je pense qu’ils couvrent une période assez large (2007-2014).

Ils remontent même plus tôt, quelque chose comme 1992 ou 93.

J’ai commencé à les faire parce que je voulais faire le fanzine le plus basique et le moins cher possible, alors je me suis tourné vers ce format [A4 plié en A7], photocopié recto verso sur une seule feuille de papier.

J’ai commencé lorsque le magazine où j’écrivais cette rubrique consacrée aux fanzines au début des années 1990 a fermé ses portes. J’ai ressenti le besoin de remercier tous les auteurs de zines et de leur dire que le magazine et la chronique n’existaient plus. J’ai donc joint mon premier mini-zine à cette lettre.

Plus tard, j’ai décidé que ce format était parfait pour les zines de voyage. Il me suffisait de plier une feuille de papier et de toujours la garder dans ma poche. Ça a généré beaucoup de zines pendant les voyages en avion, et plus tard, j’ai commencé à faire toutes sortes de fanzines avec toutes sortes de thèmes dans ce format.

Comment travailles-tu habituellement ? Y a-t-il un message ou une histoire personnelle que tu veux transmettre à travers ton art ?

Je n’ai pas vraiment d’idée préconçue au moment où je me mets au travail. Je crois que tout ce à quoi tu te consacres finit par porter tes pensées et tes sentiments, donc je suppose que je n’ai pas besoin de réfléchir beaucoup avant et que je laisse les choses couler.

J’ai l’impression que ce qui frappe le plus les gens dans mon travail, c’est ce sentiment de liberté, de liberté artistique, c’est ce que la plupart des gens me disent. Alors peut-être que ce qui ressort de mon travail, mon message, si tu veux, c’est : soyez libre.

Je commence en étant séduit par de petites idées comme : À quoi pourrait ressembler un mini zine ? Et si les gens pouvaient se promener parmi mes dessins comme si c’était une sorte de forêt ? Et si la Bible était vraiment courte ? Après, les choses évoluent de toutes sortes de façons. Mais je pense que la plupart du temps, beaucoup d’idées viennent simplement de gribouillages et de petits dessins sur mon bureau.

J’aime faire des œuvres plus grandes comme celles qu’on peut voir en ce moment à la galerie, mais c’est un peu un défi. Là où je suis vraiment à l’aise, c’est quand je fais des œuvres de la taille d’un livre. Et j’aime essayer toutes sortes de matériaux.

Pourquoi l’auto-édition ? Est-il important pour toi de rencontrer les personnes qui collectionnent tes œuvres ?

Je m’auto-édite parce que c’est plus facile et plus rapide de cette façon, de l’idée originale au livre ou au zine fini. C’est comme de faire une peinture ou quelque chose comme ça. Mais je ne suis pas contre le fait que quelqu’un d’autre publie mon travail.

J’aime rencontrer des gens qui aiment mon travail. Je ne sais pas si c’est important. En général, je suis juste heureux que les gens m’écrivent ou me montrent de l’intérêt. Quoi qu’il en soit, je pense que les foires sont très amusantes et qu’on finit par rencontrer des gens qui n’écriraient pas.

Qu’est-ce qui est important dans ton travail ?

Je ne suis pas sûr. J’ai besoin de liberté pour travailler, pour suivre mes pensées, c’est une condition importante. Peut-être aussi que j’exige beaucoup de mes lecteurs en termes d’attention. Je pense que les meilleures idées sont cachées. Je n’aime pas être trop évident. Je pense donc que le temps est également important, ainsi que la générosité du public.