J’ai rencontré Doro Boehme lors d’une journée d’étude à Munich intitulée Graphic Production : Art Zines in Context, et elle semblait très à l’aise dans cet environnement. En l’entendant parler couramment allemand avec d’autres participant·e·s, j’ai compris que, bien qu’elle vive à Chicago, où elle s’occupe de la collection de livres d’artistes Joan Flasch au SAIC (School of the Art Institute Chicago), elle est originaire d’Allemagne. Comme la journée d’étude portait sur les zines d’artistes, en particulier les graphzines, elle a parlé de comment elle s’occupe de zines dans une archive consacrée aux publications d’artistes au sens large. Quand elle a commencé sa présentation en allemand, j’ai eu peur de ne pas comprendre un seul mot ; heureusement, elle est passée à l’anglais après quelques phrases. Je passe ici sur la première partie, dans laquelle elle traitait des nombreux événements qu’elle organisait dans sa salle de lecture, en créant tous les liens possibles entre les publications d’artistes de la collection et les cours dispensés à l’école. Elle a également commenté en détail ce que l’on peut trouver dans la collection (publications d’artistes, œuvres numériques, applications iPad multiples, affiches, documents éphémères, etc.). Aucune prise de rendez-vous n’est nécessaire pour visiter la collection Joan Flasch, et pour quiconque franchit la porte à l’improviste, l’équipe tâche de rendre la visite aussi agréable et facile que possible. La salle de lecture n’est pas seulement utilisée pour consulter des livres d’artistes, mais sert également d’espace pour accueillir des événements publics, des performances, des projections de films, des conférences, des discussions, des lectures et des colloques. Marc Fischer, par exemple, y est venu avec sa propre collection de Bruno Richard, a parlé d’Elles sont de sortie et nous a montré sa propre collection pendant deux heures.

Passons maintenant à la partie zines… Vous en avez beaucoup dans votre collection ?

Si je tape le terme de recherche « zines », j’obtiens pour l’instant 935 résultats, et il y en a environ un millier qui attendent d’être catalogués. Les zines continuent d’être une révélation, en particulier pour les jeunes artistes qui utilisent nos collections ; ils leur montrent qu’on n’a pas besoin d’attendre d’être représenté par une galerie pour se faire entendre, qu’on peut à tout moment prendre les choses en main et commencer à éditer. Il n’y a aucune raison pour qu’ils et elles se limitent à un format ou à un support particulier. Il existe de nombreux illustres prédécesseurs dans ce domaine, dont le champ d’action couvre une grande variété de médiums et qui choisissent parmi un nombre assez important de casquettes : la peinture, la photographie, la performance, les installations et aussi les zines.

Comment reconnaît-on un zine ?

Ce que je vois souvent associé au format zine, c’est qu’il s’agit d’une autoédition. Ces œuvres autoéditées par un individu doivent être bon marché, ce qui n’est pas un terme très précis, et la dernière fois que j’ai acheté des zines, ils étaient en fait assez chers. Ils se situaient entre 20 et 25 dollars. On s’écarte là d’une esthétique jetable, ou du moins je ne jette pas des publications à 20 $. Un zine doit être autoédité, soit par un individu, soit en collaboration, soit par une petite maison d’édition, mais ce qui est certain, c’est qu’il n’y a pas de supervision éditoriale de la part d’une tierce partie. Idéalement, un zine a des origines un peu obscures. Il doit être simple : on s’attend à une certaine pauvreté des moyens de production. Les images et les textes sont coupés et collés, physiquement ou numériquement. Cependant, je constate que beaucoup de zines d’aujourd’hui sont imprimés et fabriqués de manière assez sophistiquée. Il ne dépasse pas un certain poids et une certaine taille. Dans l’idéal, il ne comporte qu’une seule signature. Il est relié par des agrafes, et pourtant de nombreux zines ne respectent pas cette règle. Leur ton est personnel et passionné, plutôt que littéraire. Ils sont parfois comme des œuvres d’art improvisées, disponibles directement auprès de la personne qui les a créés ou distribués par des canaux indépendants. Enfin, ils s’inspirent largement du vocabulaire du bricolage. Ils font partie d’une contre-culture Do It Yourself et sont rendus possibles par un matériel d’impression facile d’accès et conjugué à une volonté de s’exprimer.

Quelle est ton expérience personnelle de la culture du Do It Yourself ?

Je m’intéresse à la culture DIY depuis un certain temps. Voici une exposition que j’ai coorganisée [Pass It On : Connecting Contemporary Do-It-Yourself Culture], dont le catalogue se résumait à quelques pochettes de carton pliées et à une clef USB. Toutes les œuvres présentées dans le cadre de l’exposition étaient autoproduites et accompagnées d’un mode d’emploi afin que le public puisse rassembler celles qui l’intéressaient, assembler son propre catalogue, puis recréer les pièces. Il suffisait d’entrer dans l’exposition et de collectionner les feuilles d’instructions qu’on voulait. Une feuille d’instructions expliquait « Comment utiliser la galerie », et il y avait une chronologie de la culture DIY avec des interviews vidéo de personnes importantes dans ce domaine. Il y avait également des instructions sur la manière d’assembler le catalogue, et tout autour se trouvaient des œuvres individuelles. Ces œuvres allaient des instruments de musique fabriqués soi-même jusqu’à une femme qui fabrique des jeans en commençant par filer le fil, puis en teignant le tissu, et enfin en cousant le pantalon. Il y avait aussi un artiste mexicain qui a fabriqué des lampes à partir de cette substance sucrée qu’ils utilisent pour les crânes à l’occasion du Dia de los Muertos. Si vous en avez assez de la lampe, vous la mettez dans votre jardin et elle fond.

Mais les zines doivent-ils vraiment être autoédités ou produits par une petite maison d’édition ? Peut-il s’agir d’une galerie, d’une équipe de curateurs, d’une autoédition, d’une microédition ou d’une maison d’édition indépendante ?

Les termes s’entremêlent ; ce qui ne change pas, c’est l’idée de contrôler les moyens de production. À Chicago, il y a une librairie appelée Quimby’s qui vend des zines et voici comment elle les définit :

« Qu’est-ce qu’un zine (comme dans “cuisine”) ? Un zine est un périodique publié de manière indépendante, avec peu ou pas de publicité ou de profit. En règle générale, les zines sont moins bien distribués que les magazines sur papier glacé et leur tirage est limité. Les sujets traités dans les zines ont tendance à être plus spécialisés que les sujets traités dans les magazines et les journaux grand public. C’est souvent la même personne qui écrit le zine, qui l’édite, le publie et le distribue. Les zines sont souvent agrafés et photocopiés (mais pas toujours). La culture des zines trouve son origine dans les fanzines de science-fiction des années 50, le punk rock, les pamphlets anarchistes appelant à la rébellion, etc. »

J’aime bien le « comme dans “cuisine” ». Quel est le lien entre les zines et les autres publications d’artistes ?

Je me suis rendu compte que le diagramme que je vous ai montré tout à l’heure est totalement erroné. Il devrait montrer comment les zines se chevauchent avec une grande variété de formats de publication différents [livres de poésie autoédités, brochures, bulletins d’information, publications éphémères, affiches pliées, mini-bandes dessinées, etc.] Je ne sais pas s’il s’agit d’un sous-ensemble des livres d’artistes ou s’ils sont au même niveau, mais nous les collectionnons tous ; il y a certainement des zones où il y a des chevauchements. Notamment quand on passe de publication littéraire à d’autres plus visuelles ou de certaines qui sont plus produites à d’autres dont la production est plus modeste. Il est clair que tout ce qui est signé par une seule personne ou relié par des agrafes n’est pas un zine.

Comment devrions-nous appeler les 100 livrets qui ont soutenu la vision curatoriale de la Documenta 13 ?

Certains d’entre eux combinent très bien le visuel et le textuel ; ils sont à la fois passionnés et personnels et, à un moment donné, ils étaient plutôt bon marché. Lorsqu’il diffusait des brochures au début de sa carrière, Boltanski était peut-être un fanzineur sans le savoir ? Il était tout à fait ravi, comme il me l’a dit, d’avoir accès gratuitement à une photocopie dans l’école où il enseignait à l’époque. Le Point d’ironie d’agnès b., que j’ai vu dans la salle de lecture, n’est pas seulement bon marché, il est même distribué gratuitement, mais on pourrait aussi le considérer comme une affiche pliée ou un dépliant. Et puis certaines publications s’appellent « zines » dans leur titre, mais ont plutôt l’apparence d’un livre, comme la série de livres Dot Dot Dot de Dexter Sinister publiée par ce duo de New York, qui n’existe plus en tant que tel.

Quels types de zines collectionnez-vous et pourquoi ?

Raw Fury est une collaboration entre Press Denver et Flatland Studio Chicago qui se définit comme un zine mais qui ressemble plus à un magazine d’art traditionnel et qui présente un mélange de street art et de bandes dessinées contemporaines. Chaque numéro est imprimé à 150 exemplaires et comprend un encart en typographie. La typographie est encore très présente, du moins dans notre ville.

Lorsque les zines sont réédités sous forme de livre, la ligne de démarcation entre eux et les livres d’artistes devient encore plus floue. Voici la réédition 2006 de Printed Matter/Art Metropole de This is the Salivation Army, qui contient tous les numéros de 1996 à 2006, avec des textes et des dessins supplémentaires ; il s’agissait de zines axés sur l’activisme gay.

Hairy Who! est apparu plus tôt et pourrait certainement être considéré comme un zine graphique. Hairy Who! a également fonctionné comme un catalogue d’exposition ; ils ont fait des expositions au High Park Arts Center. La plupart du groupe, si ce n’est l’entièreté, a étudié à la SAIC au milieu des années 1960 et certains y ont ensuite enseigné, ou y enseignent même encore aujourd’hui. Voici une version plus contemporaine de Joe Talarico ; ça s’appelle Hairless Who en référence aux publications Hairy. Il les considère comme une « série de bandes dessinées axées sur l’aspect visuel », car il aborde la bande dessinée comme s’il s’agissait d’un dessin. Voici Gato Saurio d’Ines Estrada ; elle est originaire de Mexico, mais elle travaille actuellement à San Antonio, au Texas. Nous avons une série de ses zines intitulée Alienation et Sixth Mass Extinction. Voici Andrew Holmquist ; c’est une très belle boîte ; elle contient dix zines différents que vous pouvez sortir ; ils sont tous imprimés en Riso, beaucoup de nos étudiants impriment comme ça. Voici deux d’entre eux ; ils traitent de sujets très différents et présentent des qualités narratives indéniables. Il s’agit de Tanaami Keiichi, publié par United Dead Artists, la maison d’édition de Stéphane Blanquet. Je ne savais pas que je verrais le travail de Stéphane Blanquet [la journée d’étude a été organisée en même temps qu’une exposition personnelle du travail de Blanquet au musée de Fürstenfeldbruck] lorsque j’ai assemblé le jeu de diapositives. Voici Sergej Vutuc, un artiste serbe. Non, né en Bosnie, élevé en Croatie, vit à Berlin. Il réalise des installations ; il est très lié au punk et au skateboard. Je crois qu’il y a une image ici ; vous voyez, il superpose ces images de skateboard qui donnent une sorte de sensation de rapidité.

Avez-vous des œuvres qui se rapportent aux fanzines originaux ?

Nous avons des choses qui renvoient au fandom musical. En tant que femme essayant de se faire une place dans le monde de l’art des années 1980, nous avions de nombreuses raisons de nous positionner en dehors de la culture dominante ; certaines ont trouvé des territoires inexplorés dans la performance, la vidéo et les arts du livre. Pourtant, les femmes restent largement invisibles au sein de la scène punk dominée par les hommes, ou sont considérées comme un substrat, au mieux comme une aberration. Les fanzines sont alors venus comme une réponse bruyante, énervée et parfois délibérément vulgaire au sexisme du punk. Il y a Bitch Magazine, qui existe depuis toujours et qui est toujours imprimé, et il y a Bust. Les girl zines ne sont donc pas du tout un à-côté des zines punk, mais plutôt un lieu où le féminisme de la troisième vague a pu se développer. Il s’agissait alors de rompre avec le discours sur les droits des femmes du passé, qui était perçu comme oppressif dans son uniformité de classe, de race et d’identité de genre, et dans les règles strictes de ce qui était considéré comme un comportement féministe adéquat. Si le féminisme de la troisième vague s’est différencié de ses prédécesseurs, il n’en était pas moins inspiré par le type de résistance qui remonte aux bulletins et pamphlets ronéotypés des années 1960 et 1970, et plus loin encore dans le passé, aux publications informelles des premières suffragettes et au scrapbooking. Clairement inspirés par la littérature féministe qui les a précédés, des zines comme celui de Nomy Lamm, le super simple minuscule, petit livret photocopié en format oblong intitulé I’m so Fucking Beautiful. Nomy Lamm est aussi une artiste punk, une musicienne, une poétesse, une riot grrrl et une performeuse.

Quelle est la place des zines réalisés par des femmes dans le mouvement punk ?

Si les zines de filles féminines se battent pour résister contre la violence éternelle du sexisme et contre des conceptions de la féminité aussi indésirables qu’inaccessibles, ils ne le font plus de manière monolithique. Elles ne le font plus au sein d’un groupe monolithique et unifié ; au contraire, elles embrassent et mettent en lumière les divisions raciales et les identités de genre dans le but de contrecarrer tous les types d’oppression. Shik is Hi ♥ signifie « mon ami, mon cœur » en navajo, ce sont donc deux femmes d’origine indigène qui créent une série de zines à partir d’un point de vue amérindien. Voici Shotgun Seamstress, qui traite du black queer punk ; trois mots qui ne sont pas souvent liés entre eux ; ça traite des difficultés d’être une personne noire au sein des scènes punk et queer dominées par les blancs. C’est un zine très instructif. Voici OOMK, pour « one of my kind » (une de mon type), qui se définit comme un zine et qui est produit deux fois par an à Londres par Sophia Niazi, Rose Nordin et Heiba Lamara. La publication présente des travaux réalisés par des femmes et explore les thèmes de la foi, de l’activisme et de l’identité, en accordant une attention particulière aux créatrices de zines musulmanes. On y trouve des interviews, de la poésie, des dessins, des photographies et des illustrations… Elles ont également publié un zine sur les zines produits en Malaisie.

Vous avez beaucoup de zines d’Asie ?

On en a quelques-uns de Hardworking Goodlooking, la branche d’édition et de design de l’OCD, l’Office of Culture and Design basé aux Philippines, depuis 2010. Hardworking Goodlooking a commencé trois ans plus tard en tant que leur branche éditoriale qui publie des zines. À droite, Pisau & Timun, qui signifie « couteau et concombre », ça vient de Singapour. Je vais probablement laisser de côté l’ISCA, même si j’aimerais beaucoup en parler, mais il y a un zine dont je veux absolument parler. L’ISCA (International Society of Copy Artists) a créé un périodique, mais aussi des boîtes de zines, des boîtes vraiment géniales. Tout le monde pouvait proposer une contribution ; elle l’éditait à 150 exemplaires et vous receviez ensuite une boîte. Il existe également des zines de développement personnel et des mini-comics, dont je ne parlerai pas non plus. J’ai eu le plaisir de visiter le Zine Fest à Chicago il y a quelques mois. J’y ai vu Temporary Services, c’est Marc Fischer et une autre personne, ils forment un groupe qui mélange beaucoup l’art et la vie, qui produit des brochures et des zines, qui collabore avec des prisonniers, qui met en place une station Riso dans les musées et qui édite. Ils ont un très bon site Web, que vous pouvez consulter.

Les zines font-ils une différence (politique) pour vous ?

Voici JAB, le Journal of Artists’ Books, un magazine sur les livres d’artistes qui existe depuis 1994. Nous en sommes au JAB n°41. Il s’agit du dernier numéro, magnifiquement imprimé en offset, par Brad Freeman au Columbia College, en bas de la rue. Au dos de la revue, on trouve une enveloppe dans laquelle se trouvent des livres d’artistes qui accompagnent le magazine. Je voudrais parler de celui de Levi Sherman intitulé Breath ; il s’agit d’une minuscule bande imprimée des deux côtés. Il a la même simplicité que I’m so Fucking Beautiful, que vous avez vu plus tôt : il s’agit d’une seule petite bande de papier avec une image et une phrase imprimées de chaque côté en 11 répétitions successives. Breath fait référence aux 11 phrases prononcées par Eric Garner avant d’être étouffé par la police new-yorkaise, et évoque la saturation médiatique incessante des images de son arrestation.

Quelle peut être la valeur d’un zine comme celui-ci ?

C’est un zine qui touche manifestement des publics divers. Les derniers mots de M. Garner, “I can’t breath” (« Je ne peux pas respirer »), sont devenus le cri de ralliement d’un mouvement de protestation et de manifestations dans la rue. Quelle est la valeur d’un zine lorsqu’il est aussi insignifiant physiquement que celui-ci, réalisé à une échelle aussi réduite qu’il fait peut-être 2 cm sur 15 cm ? Y a-t-il quelque chose qu’il puisse accomplir ? Il m’aide à entamer une conversation sur les motivations qui les poussent à produire des œuvres, sur leur intérêt pour la politique et l’actualité, sur la mesure dans laquelle ces éléments peuvent devenir des sources d’inspiration et sur leurs responsabilités en tant qu’artistes et citoyens. L’œuvre reproduit-elle la violence en la représentant et en ne fournissant pas de contexte aux personnes qui en souffrent, à la personne qui en est morte ? L’artiste tire-t-il profit de la représentation de la souffrance d’une autre personne ? Dans ce cas, il s’agit d’une personne qui a moins de pouvoir dans la culture américaine contemporaine : l’artiste est blanc, la victime était noire. Les critiques pourraient souligner que Garner n’est pas commémoré ici en tant que personne, avec toutes les complexités de sa vie, mais que le zine se concentre uniquement sur sa mort, le réduisant à une illustration de la violence. C’est une façon de faire fréquemment empruntée par des personnes blanches de gauche bien intentionnées qui, en réalité, ne sont pas en mesure de comprendre pleinement ni de représenter de manière authentique la vie des personnes de couleur. Est-ce que les artistes blancs devraient, et si oui, comment, utiliser le capital culturel à leur disposition, leur visibilité et l’espace que la société leur accorde pour amplifier les voix des personnes de couleur et s’effacer pour leur faire de la place ? Ce petit zine conduit à des discussions, par exemple sur le travail de Kenneth Goldsmith, qui a remixé le rapport d’autopsie de Michael Brown d’une manière très intéressée.

Je n’ai pas le temps de parler des zines en ligne qui peuvent être imprimés, mais je voudrais mentionner BLKGRLSWURLD ; vous pouvez aller sur le site web et ensuite imprimer les zines. Elle fait des zines fantastiques ; c’est aussi une musicienne punk.

Désolé d’avoir dû aller si vite, c’était un peu rapide [Applaudissements].