Bonjour David.

Bonjour

Peux-tu commencer par te présenter ?

Bien sûr, je m’appelle David Stretell et je suis propriétaire de Dashwood Books depuis onze ans. C’est une librairie au centre-ville de New York, on est spécialisé dans la photographie, bien que nous ayons aussi un peu de dessin. Peut-être que notre spécialité au-delà de la photographie est que nous accueillons beaucoup d’événements, nous éditons aussi, mais les meilleurs livres que nous avons sont importés du monde entier. Nous avons une très bonne sélection de livres japonais, des livres européens, des choses qui ne sont pas généralement distribuées. C’est probablement ça que nous faisons le mieux. J’essaie toujours de faire découvrir à un éventail de clients des choses qu’ils n’ont jamais vues avant, c’est pour ça que j’ai ouvert le magasin, car il n’y avait pas de librairie spécialisée dans la photographie à l’époque. Il y en a quelques autres maintenant. Il y a environ trente ans, peut-être même plus, il y avait un magasin appelé Photographers Place, où je venais quand j’étais enfant. Je suis à New York depuis environ trente ans et il a fermé il y a vingt ans. Il y avait une sorte de vide, quelque chose qui manquait. Les New Yorkais ont tendance à penser qu’ils ont accès à tout.

À part au reste du monde

Exactement, ça fait beaucoup de choses. J’ai eu l’idée d’ouvrir le magasin, pas seulement pour reprendre la place de Photographers Place, mais je suis allé au Japon dans ce genre de magasins très spécialisés. Ils ont toutes sortes d’imprimés incroyables. Il ne s’agit pas tellement de zines, c’était plutôt des livres d’artistes par de très petits éditeurs qui ont fait ces livres vraiment exotiques et extraordinaires. J’ai pensé qu’il y aurait beaucoup de gens à New York qui seraient ravis de voir ça.

Et ces photographes japonais, par exemple, certains d’entre eux ont-ils commencé en s’autoéditant ?

Quand tu remontes à la période Provoke, c’est-à-dire entre le milieu et la fin des années 60, Daido Moriyama ou Araki, leurs premiers projets étaient tous autoédités. Je ne sais pas d’où leur est venue cette idée. Peut-être que ça remonte à plus loin que ça. Je crois que je n’ai jamais vu de livres auto-publiés beaucoup plus vieux que les années 1960 au Japon.

Comment en es-tu arrivé à mettre des petites boîtes pour les zines dans ta boutique ? Tu ne les avais pas au début ?

Non, pas du tout. Je ne connaissais pas du tout le monde des zines. Et quand j’ai ouvert le magasin, il n’a pas fallu longtemps pour que les gens débarquent et me disent : « Est-ce que je peux vous montrer mon zine ? » C’était une façon vraiment amusante de rencontrer des artistes, de parler de leur travail, mais je me suis rendu compte rapidement que certains d’entre eux étaient définitivement meilleurs que d’autres. Nous avons donc lancé un système où nous prenons les livres en dépôt. Je ne pouvais évidemment pas me permettre de tout acheter. Je n’étais pas sûr de moi, il y en avait tellement. À un moment, je me suis demandé : « Est-ce que je veux vraiment stocker tout ça ? Parce que nous devons le cataloguer et ça va prendre du temps. »

Tu n’étais peut-être pas sûr qu’il y avait un public pour ce genre de choses ?

Oui, absolument. Puis j’ai compris que c’était un bon moyen de s’engager auprès des artistes, de cette communauté. C’était un bon moyen d’élargir cette communauté de personnes qui viennent dans le magasin pour découvrir des choses. J’ai lancé un système de dépôt-vente et maintenant j’ai quelqu’un qui gère ça avec moi et nous recevons quelque chose comme 30 livres par semaine que nous examinons et puis nous décidons de ceux que nous allons garder. Puis nous devons changer souvent parce que les gens veulent voir des choses différentes.

Et ils s’abîment très vite…

Nous avons un système où nous avons un exemplaire de démonstration et les autres sont en sachet plastique. En fait, l’un des premiers projets de zine que j’ai publié, qui m’a fait rentrer dedans peut-être, c’était avec quelqu’un que j’ai rencontré par le biais du magasin : Ari Marcopoulos. C’est devenu un très bon ami, on a beaucoup travaillé ensemble et il est assez connu dans le monde des zines. Il m’a montré beaucoup de zines qu’il avait faits. Et j’ai eu l’idée de faire ce projet qu’on a appelé ANYWAY, où on a publié un zine par semaine pendant un an. Tu pouvais acheter cette boîte à la fin de l’année avec 52 zines. On a fait un 53e zine pour les abonnés. Donc, chaque semaine, tu pouvais venir voir ton nouveau zine et on le mettait dans la boîte. On en a aussi fait quelques-uns en plus. Il y avait pas mal de gamins qui venaient regarder ces trucs qui coûtaient entre 8 et 16 dollars.

Ça a fait venir un public plus jeune ?

On avait un public assez jeune de toute façon, mais c’était vraiment agréable que les gens viennent pour voir ce truc, pour voir le nouveau en date. C’était sur la façon dont, en tant qu’artiste, tu traites toutes ces idées différentes. Un peu comme l’Atlas [de Gerhard Richter] ou autre, mais avec une date butoir, il s’arrachait les cheveux la moitié de l’année, mais il ne s’agissait pas seulement de travail.

Alors qui achète ces trucs ? C’est les mêmes clients qui achètent les livres ?

Oh non, pas vraiment, c’est plutôt des jeunes. Je vends aussi des livres plus anciens, donc on a une grande variété de choses. On a des livres importés du Japon, d’Allemagne ou de France. Donc, il y a une variété de personnes qui viennent acheter ça, puis il y a des collectionneurs ou des personnes dans la mode et la publicité qui cherchent des livres pour s’inspirer. Puis on a des étudiants, donc d’une certaine manière, on a quelque chose d’abordable pour chacun. Tu peux aussi avoir Richard Prince qui se tient là et qui côtoie quelqu’un qui ne sait pas qui est Richard Prince. Mais ils sont juste enthousiastes. On essaie de faire en sorte que ce soit pour les enthousiastes.

Est-ce que tu vends aussi aux institutions ? S’intéressent-elles aux publications auto-éditées ?

Oui, un peu. J’aimerais qu’elles s’y intéressent davantage. J’ai une institution qui s’y intéresse, oui. Mais j’ai toujours pensé que ce serait vraiment un rêve d’avoir quelqu’un pour qui j’achèterais des livres ou des zines et qui les cataloguerait à la fin de l’année.

Tu serais curateur d’une sélection ?

C’est ce dont on parlait hier. C’est une histoire que tu es en train d’écrire en ce moment. Peut-être que dans quelques années, tu pourras avoir une sorte d’aperçu des zines dans un sens historique, parce qu’il y a si peu d’exemplaires de certains d’entre eux, donc tu n’y auras pas accès. Donc, c’est vraiment juste une question d’interaction personnelle avec un certain milieu.

Y a-t-il des caractéristiques spécifiques aux zines de photo ? Est-ce qu’ils sont différents des autres types de zines ?

Je pense qu’ils sont un peu différents, mais il y en a beaucoup qui sont moins conceptuels. L’un des problèmes lorsqu’on collectionne ces choses ou qu’on les rend accessibles, c’est qu’elles tombent dans ces catégories : tu as des zines de fête où les gens photographient leur copine, il y a le côté pris à la volée, il y a les zines de skate et il y a une vie des jeunes comme si ça suffisait à les rendre intéressants. On tombe là dedans, il y a beaucoup de répétitions, beaucoup de tendances. Parfois, c’est agréable de trouver un très bon exemple de ce genre de zines, mais il faut qu’il ait un autre niveau pour que ça m’intéresse. Soit parce qu’il est vraiment bien produit, parce qu’il y a une utilisation d’éléments graphiques qui est inhabituelle, ou il y a juste une sorte d’amour et d’attention qui l’a emmené un peu plus loin.

C’est ce que tu as sélectionné ? C’est représentatif des zines que tu vends ou c’est juste ce que tu as en ce moment ?

Il y a plusieurs choses ici. Voici S.A.D. de Raquel Navé, ce sont juste des photos d’elle, de sa vie avant d’avoir un bébé, c’est une ancienne mannequin. Je le trouve vraiment très bien produit. Celui-ci est un peu abîmé, mais c’est un bon exemple. L’une des raisons pour lesquelles je m’intéresse aux zines c’est que je peux filtrer et trouver ce genre de talents étranges et intéressants. J’ai sympathisé avec Nick Sethi par exemple, ce sont des photos, des autoportraits qu’il a faits. C’est quelqu’un qui venait au magasin, qui travaillait avec Terry Richardson quand je l’ai rencontré. C’est un jeune américain d’origine indienne. Il n’a pas grandi en Inde, il a grandi aux États-Unis. Mais il retourne à New Delhi chaque année et il prend toutes ces photos d’enfants des rues de New Delhi, ce qui ressemble à ce que tous les photojournalistes du monde ont fait. Mais il le fait d’une manière si directe, sans la timidité journalistique. Son travail est vraiment marrant à regarder, il avait des photos de vie, un père qui frappe son fils par terre avec un gros bâton en riant. C’est des photos vraiment scandaleuses, mais il sait qui sont ces gens, il entre en contact avec eux d’une manière vraiment intéressante. J’ai fait un petit zine imprimé en offset, et nous travaillons sur un projet beaucoup plus grand avec tout son travail indien. J’ai publié des livres avec une demi-douzaine de personnes que j’avais juste rencontrées parce qu’elles sont venues me montrer leurs zines. J’en ai fait un avec un jeune appelé Daifu Motoyuki qui est vraiment intéressant. C’est un photographe japonais qui a photographié sa famille et nous en avons fait un livre. J’ai connu son travail à l’origine à travers un zine noir et blanc trouvé chez Zines Mate au Japon. Puis j’ai découvert que c’était en réalité des photos couleurs et nous en avons fait un petit livre.

Peux-tu nous montrer l’autre zine que tu as sélectionné ?

Il s’agit de 8 EZ STEPS, un brutal de Gusmano Cesaretti. Ça, c’est Sergej Vutuc.

Je le connais, je l’ai interviewé. C’est une collaboration avec Chris Milic et Quentin Chambry.

Je ne sais pas si tu définis ça comme un zine, parce que ce n’est pas une auto-édition techniquement. Alors c’est bizarre et c’est quelqu’un d’autre qui édite, je ne sais pas si tu as parlé à Benjamin de Nieves.

Pas encore.

Tu le connais ? Donc Nieves est vraiment l’une des entreprises qu’on voyait et qui faisait ces zines vraiment produits. Pas forcément magnifiquement produits, mais très humbles. C’est l’un des plus beaux qu’ils ont fait, c’est une collaboration avec Erik Steinbrecher et ce sont des photos d’un étalage pour vendre ces fausses assiettes de nourriture chinoise de restaurant et il y a des dessins par dessus. C’est vraiment très bien fait. Ça, c’est un zine auto-édité de Stacy Kranitz qui contient toutes ces photographies d’enfants en Virginie occidentale. C’est juste les choses que j’avais dans la boîte en ce moment et que je fais tourner en permanence. Ces deux zines japonais sont intéressants, ils sont juste si nets. C’est des matériaux pauvres, ils n’ont probablement pas dépensé beaucoup d’argent pour les faire, mais il y a un haut niveau de polissage et de finition, c’est une chose que j’apprécie dans les livres en général. Je pense que c’est très important dans les zines. Quand on le voit dans des livres ou des zines, ça représente quelque chose, c’est vraiment emblématique d’une certaine culture et d’une certaine époque ; on reconnaît une certaine esthétique, un design. Quand on voit un livre photo hollandais, il a cette qualité brute et excentrique et ça montre à quel point les Hollandais sont des gens très pratiques, ils ne veulent pas dépenser trop pour la production. Pour moi, c’est intéressant. Ce n’est pas que tu as un aperçu de leur culture, mais il y a une valeur esthétique qui vient d’un autre ensemble de valeurs.

Peux-tu nous parler de certaines de tes publications ?

Je peux te montrer ces trois-là. Elles font partie d’une nouvelle série que j’ai publiée ces deux dernières années, comme des nouvelles. Tu as probablement reconnu cette esthétique proprement française inspirée de Gallimard, et je pense que plusieurs personnes ont utilisé cette idée. On a commencé avec ce projet avec Jason Polan. On voulait un livre de dessins, car l’une des choses que j’ai remarquées avec le monde de la photo, c’est qu’il n’y a pas vraiment d’endroit où les gens peuvent aller et balancer un paquet de dessins et d’illustrations. Je voulais avoir non seulement des livres de photos, mais aussi cette communauté, parce que j’aime vraiment la façon dont les illustrateurs s’expriment. J’ai fait du photojournalisme et j’ai l’impression que beaucoup des illustrateurs que j’ai rencontrés ont la même attitude que certains photojournalistes. Ils sont déterminés à faire cela, c’est leur façon d’entrer en relation au monde.

Ils doivent en témoigner ?

Oui, peu importe ce que c’est, debout au coin d’une rue. Jason est l’une de ces personnes et celui-ci, c’est une petite partie d’un projet qu’il a fait, qui s’est étendu et qui est devenu un plus grand livre cette année sous le titre Everybody in New York City. Il s’est efforcé de dessiner chaque personne de la ville de New York. Je pense qu’il en est à environ 18 000 personnes, mais il n’y arrivera jamais, ce n’est pas l’idée. Dans un mois, en mai, ça fera cinq ans. Et puis on en a fait un autre avec un illustrateur appelé Hugo Guinness où il a dessiné un hiver à partir d’Internet tous ces croquis d’animaux en 20 secondes. Voici Stefan Marx qui aime s’asseoir dans la salle d’observation de l’aéroport de Hambourg et dessiner toutes les compagnies aériennes commerciales. C’est en réalité le premier qu’on ait fait, c’est des photographies de Lele du Newsstand, donc c’est une série et c’est un peu drôle parce que nous les avons faits en risographie et nous avons dû utiliser des profils qui provenaient d’aquarelles pour obtenir un aspect un peu irréel.

Pour finir, peux-tu nous parler du dernier projet que tu viens de publier avec la collection Toby Mott ?

Chaque année, je fais deux de ces petits livres et je fais aussi beaucoup de lancements de livres. Et quand nous faisons les lancements de livres, je vais faire un petit zine de cent exemplaires par cet artiste. Il sera disponible uniquement lors du lancement, c’est un projet en cours. En plus de ça, on fait peut-être deux projets plus importants chaque année. Le projet que nous venons de réaliser avec Toby Mott, qui a grandi à Londres et possède probablement la plus grande collection d’ephemera punk, qui s’est déplacée vers des ephemera skinhead et de la street fashion, des pochettes d’album, des boutons, des prospectus, des affiches, il a des milliers et des milliers de pièces. Le livre que nous venons de faire, intitulé Showboat, porte sur la sexualité, les normes sexuelles et la façon dont elles ont influencé le punk et vice versa, de 1972 à aujourd’hui. C’est le plus gros livre que j’ai fait, près de quatre cents pages, et nous l’avons lancé à la Foire du livre d’art de New York.

Merci !